Exposição: A Arte da metaloplastia

Um acervo de 12 obras compõe a Mostra " A Arte da Metaloplastia", aberta ao público nos dias úteis de 01/08 a 08/08 das 8:00 às 22:00 hs no Centro Empresarial Social e Cultural de Brusque- CESCB. As obras estarão à venda durante a exposição.

Transpassar os limites do desenho em duas dimensões para a tridimensionalidade no mesmo plano, uma ideia que vem sendo moldada  desde a infância. A exposição abrange a técnica da Metaloplastia onde as imagens são esculpidas em laminas de metal. Estas imagens representam crenças, reflexões e fatos históricos moldados utilizando a solidez e a imponência do metal com o objetivo de Resgatar imagens de acontecimento que marcaram história. Algumas obras convidam o espectador voltar aos tempos remotos onde as obras eram esculpidas em metal forjado, faz o espectador se fundir ao passado insinuando uma reflexão com o presente. Disseminando conhecimento histórico e cultural para a sociedade.

Venha fazer uma visita!

O Vaticano descobre novas pinturas por Raphael escondido em uma visão simples em suas paredes

A alegoria da Justiça, de Raphael.

Especialistas descobriram que o modelo renascentista italiano Raphael teve um papel fundamental na pintura da Sala de Constantino nos apartamentos papais depois de uma restauração, evidenciando claramente a mão do mestre. Já se pensava que a magnífica sala de recepção foi pintada pela oficina do artista depois que o Raphael esboçou em linhas gerais, como o artista teria morrido antes da sua conclusão. Não é assim, os conservadores do Vaticano agora acreditam.

As Salas de Rafael (Stanze di Rafael) são um grupo de quatro aposentos decorados entre 1508 e 1524 pelo grande pintor renascentista Rafael Santi (ou Sanzio) e seus auxiliares, sob encomenda do Papa Júlio II – o mesmo que encomendou os afrescos da Capela Sistina a Michelangelo:

A Sala de Constantino era reservada para recepções e cerimônias oficiais, e foi completada somente após a morte de Rafael por seus discípulos, com os desenhos preparatórios deixados por ele. Seu nome deriva de Constantino, que reconheceu o cristianismo e o livrou das perseguições. Os painéis ilustram quatro episódios do triunfo da fé cristã: “A visão da Cruz”, “A Batalha de Constantino contra Maxêncio”, “O Batismo de Constantino” e “A Doação de Constantino”. A decoração é completada por retratos de papas e figuras alegóricas. O teto foi pintado por Tommaso Laureti.

Citando um vídeo do YouTube publicado pelo escritório de imprensa do Vaticano, o jornal italiano La Stampa informou que as figuras femininas alegóricas das virtudes da amizade e da justiça são de fato o trabalho de Raphael.

"Ao analisar a pintura, percebemos que é certamente pelo grande mestre de Raphael", disse o restaurador Fabio Piacentini. "Ele pintou em óleo na parede, que é uma técnica realmente especial. A limpeza e remoção de séculos de restaurações anteriores revelou as características pictóricas típicas do mestre ".

Arnold Nesselrath, historiador de arte e chefe de pesquisa técnica e científica nos Museus do Vaticano, acrescentou: "Sabemos de fontes do século 16 que Raphael pintou duas figuras nesta sala como testes na técnica do óleo antes de morrer. De acordo com as fontes, essas duas figuras pintadas a óleo são de uma qualidade muito maior que as que as cercam ".

"Raphael foi um grande aventureiro na pintura e sempre tentou algo diferente", explicou. "Quando ele entendeu como algo funcionou, ele procurou um novo desafio. E então, quando chegou na maior sala do apartamento papal, ele decidiu pintar esta sala em óleo, mas conseguiu pintar apenas duas figuras, e seus alunos continuaram no método tradicional, deixando apenas essas duas figuras como autógrafos de O mestre."

Em 1509, Raphael foi encarregado de pintar quatro salas nas residências papais, agora conhecidas como Salões Raphael. A Sala de Constantino - a maior - retrata quatro episódios da vida do primeiro imperador romano para reconhecer a fé cristã e conceder liberdade de culto. As pinturas retratam a derrota do paganismo e o triunfo da religião cristã.

Dois desenhos de giz do mestre do Renascimento italiano venderam US $ 48 milhões (no Christie's London em 2009) e US $ 47,8 milhões (na Sotheby's London em 2012).

Fonte: https://news.artnet.com

Making the Stark's Emblem from Game of Thrones

Intento

Intento

Nesta obra represento fragmentos imaginários de um projetista concentrado no seu trabalho. Em meio a inúmeros pensamentos, num curto período ele esboçou aleatoriamente algumas linhas em um pedaço de papel, na tentativa de propor algo para si mesmo com o auxilio de imagens formadas e correlacionadas com seus próximos pensamentos, imagens subjetivas fixadas com o intuito de atingir um objetivo. Remetem a vibração de uma explicação sem palavras, um pensamento aberto o qual foi reproduzido com aquarela em papel Canson texturizado.

De acordo com a teoria lacaniana sobre a arte, considero a obra Intento um exemplo de que o imaginário só pode operar sob determinadas coordenadas –, essa coordenada refere-se à representações pautadas que englobam toda nossa experiência e entendimento sobre o mundo. E essa coordenada é necessária por conta da insuficiência de definição de qualquer traço significante por si mesmo, quer dizer, estão circunscritos em um cenário que o situa numa realidade transitória, a fim de decifrar as possíveis resultantes com sua experiência.

Segundo a psicanalista Renata Wirthmann (Pós-doutorado em Teoria Psicanalítica UFRJ), para se compreender uma obra de arte, não basta interpretá-la iconograficamente, tomando-se por base apenas as imagens, os ícones, os símbolos que nela estiverem reunidos. Antes, é necessário olhá-la como algo jamais completamente compreendido, conhecendo nela seu caráter de enigma. E, ainda que assim seja, não se desvendará completamente o tal enigma. Apenas alguns de seus sentidos parciais emergirão para aqueles que estiverem cientes de que sempre faltam, não só palavras, como possibilidades de se encontrar na realidade todos os componentes de uma obra de arte. (https://lacaneando.com.br/contorno-do-vazio-uma-leitura-lacaniana-sobre-a-arte/)

Erol Deneç

Desde 2000 a Galeria de Arte Kibele em Istambul já acolheu exposições dos mais renomados mestres da história da arte turca. E dia 04/01/2017 ela abre representando o artista turco Erol Deneç com 55 anos de trabalho artístico exibidos nas casas de arte em todo o mundo, revelando exposições retrospectivas de estilo realismo fantástico.

Oficialmente, uma "canção existencial", como Erol Deneç que, com sua personalidade e obras de arte reune todos os esforços para avançar para a próxima geração. Deneç, demonstra o humor do artista nos trabalhos, argumenta que a necessidade de detectar a imagem dimensões profundas e multi-camadas: "Na arte da pintura dizem todos os aspectos do mundo espiritual do artista para refletir sobre cor que se forma, com o som de música; idioma com palavras da alma. A arte não pode ser compreendida através da razão, feita para a razão. Pessoas em frequência similar, encontra eco em sua essência ".

A capacidade de integrar com a imaginação

Deneç reflete a acumulação dos desenhos originais, de Leonardo da Vinci "arte, talento, mais a imaginação." Como a transferência palavra, a capacidade de continuar a integrar a arte com a imaginação. Albertina em Viena, bem como o Museu Belvedere em Viena Cidade Colecção com a Alemanha, Áustria, França e Itália cujas obras estão em algumas coleções particulares na Turquia, sem se afastar do passado com a ideia de que deve estar olhando para o futuro abordado hoje.

Dedicado desde criança, para Deneç, o primeiro encontro com a pintura relembra com as seguintes palavras: "Eu tinha 3 anos, um dia fomos aos nossos vizinhos do bairro. Meu pai levou caneta em um pacote pequeno de materiais para iniciantes para pintura. Um pacote de sete cores. Quando eu vi os pastéis coloridos, eu descobri o que poderia criar com eles. Como explicar o que senti eu não posso dizer. Me apaixonei à primeira vista, então ... "

Vê o Surrealismo como um modo de vida

Fazendo Arte longe de preocupações comerciais, que continua como um espírito independente e revelando o seu livre arbítrio, Deneç é mais do que um mero movimento de arte do surrealismo é um modo de vida, vê o mundo como um modelo de detecção.

"A puberdade conclui em espírito como no corpo humano para um adolescente. Quem sou eu, eu vim, para onde vou, qual é a minha tarefa neste retorno, ele explora-se e começa a viagem em si."
Erol Deneç afirmou que carrega um constante desejo de explorar as palavras , ele viveu com a arte do artista e acho que amadureceu. obras do artista, que melhoram a alma humana, está projetando uma criação especial onde o produto aprofunda a mente e fortalecer a intuição humana.

As obras de Erol Deneç estarão em exposição de 5 de janeiro a 18 de fevereiro de 2017 na galeria de arte Kibele em Levent 34330, Istambul, Turquia. (Kibele Sanat Galerisi)

Sobre o artista:

Erol Deneç nasceu em 1941, Istambul,.Depois de estudar em Gedikpasa no ensino primário e secundário continuou na Business School. Tornou-se interessado na música durante este período; violino, aprendeu a tocar o alaúde. Depois de concluir o ensino médio, matriculou-se na Academia de Belas Artes High School.

Aplicado Belas Artes, em 1962, ele trabalhou com os artistas convidados de Anton Lehman foi o primeiro representantes turcos estilo fantástico.

Em 1964, a convite da Escola de Viena de Arte Fantástica, o fundador da Ernst Fuchs estabeleceu-se em Viena e abriu a sua primeira exposição. O estudo constatou Meister Award para o 1965-1969 ano pela Academia de Viena de Belas Artes. Ele filmou um documentário sobre 1971. O filme foi exibido pela primeira vez em Viena no século 20 em muitos lugares, incluindo o Museu de Arte Moderna. O segundo documentário foi feito em 1982 por Wolfgang Lezowsky e exibido pelos principais programas de televisão na Europa.

Sua esposa e filhos vivem com o artista em um sopé dos Alpes, com violino e música de alaúde. Na música clássica turca continuou o seu trabalho, bem como os fatores também teve interesse em música indiana e sitar.

Em 1989, o artista voltou para a Turquia, atuou como professor de pintura entre 1991-1995 no grupo da Universidade de Istambul Fantastic Reality fundada por estudantes no Centro Cultural.

1963 o artista abre exposição com mais de 150 obras em museus,  Albertina em Viena e Belvedere de Viena Coleção City, bem como a Alemanha, Áustria, França, está ocorrendo em algumas coleções particulares na Itália e na Turquia.

Fontes:
http://www.liderler.net/haberler/47516/fantastik_gercekciligin_evrensel_sanatcisi_erol_denec.html
http://www.eroldenec.com/eserlerim.html

Nova obra - Revolta

A obra Revolta mede 69 x 51 cm.

Como todos os trabalhos, este também é criado com a técnica metaloplastia e patina.

As cores mudam conforme a incidência de luz, acima a obra recebe iluminação somente de luz focal (spot) amarela.

Abaixo somente iluminação ambiente amarela.

 Esta última imagem recebe iluminação ambiente branca e focal amarela.

REVOLTA

Alma que sofres pavorosamente

A dor de seres privilegiada

Abandona o teu pranto, sê contente

Antes que o horror da solidão te invada.

Deixa que a vida te possua ardente

Ó alma supremamente desgraçada.

Abandona, águia, a inóspita morada

Vem rasteja no chão como a serpente.

De que te vale o espaço se te cansa?

Quanto mais sobes mais o espaço avança...

Desce ao chão, águia audaz, que a noite é fria.

Volta, ó alma, ao lugar onde partiste

O mundo é bom, o espaço é muito triste...

Talvez tu possa ser feliz um dia.

VINICIUS DE MORAES,  Rio de Janeiro, 1933.

William Adolphe Bouguereau (1825-1905)

 

 Les Oreades Oil on canvas 1902 236 x 182 cm (92.91" x 71.65")

Palavras de Bouguereau:"A teoria não tem lugar.... na educação básica do artista. São os olhos e as mãos que devem ser exercitados durante os impressionáveis anos da juventude.... É sempre possível mais tarde adquirir o conhecimento necessário para a produção de uma obra de arte, mas nunca - e quero enfatizar este ponto - nunca a vontade, a perseverança e a tenacidade de um homem maduro bastarão se a prática for insuficiente. E pode haver angústia maior do que aquela sentida pelo artista que vê a realização do seu sonho prejudicada por uma execução medíocre?" 

Willian Adolphe Bouguereau (La Rochelle, 30 de novembro de 1825 - La Rochelle, 19 de agosto de 1905) foi um professor e pintor acadêmico francês. Com um talento manifesto desde a infância, recebeu treinamento artístico em uma das mais prestigiadas escolas de arte do seu tempo, a Escola de Belas Artes de Paris, onde veio a ser mais tarde professor muito requisitado, ensinando também a Academia Julian. Sua carreira floresceu no período áureo do academicismo, sistema de ensino do qual foi um ardente defensor e do qual foi um dos mais típicos representantes.

Para apreciar plenamente a Arte de Bouguereau é preciso professar um profundo respeito pela disciplina de desenho e a arte da tomada de imagem tradicional; da mesma forma deve submeter-se ao mistério da ilusão como um dos poderes mais característicos e sublimes da pintura. Vasto repertório de imagens lúdicas e poéticas de Bouguereau não pode deixar de apelar para aqueles que são fascinados com as aparências da natureza e com a celebração do sentimento humano franca e descaradamente expressa.

Mas continuamos a entender, que de muitas maneiras o estilo de Bouguereau é único, exatamente o que o artista tenta representar. Embora Bouguereau foi classificado por muitos autores como um pintor realista, devido à natureza fotográfica aparente de suas ilusões, de outro modo tem pouco em comum com outros artistas pertencentes ao movimento realista. À Bouguereau considera-se seus gostos eclético, e seu trabalho, de fato apresenta características peculiares ao Neo-classicismo, romantismo e Impressionismo, bem como ao realismo. Dentro destas categorias, talvez o pintor seja melhor entendido como um Realista Romântico, mas também seria bastante justificada, neste caso, na elaboração de uma escola inteiramente nova de pintura e rotulando-o primeiro, a quintessência Photo-idealista.

A designação é também em que, apesar de Bouguereau nunca ter trabalhado de fotógrafo, recolhia observações fotográficas em tempo real, observações da natureza com uma consciência aguda das qualidades da luz inerente à imagem fotográfica. As raras exceções são alguns retratos, geralmente de assuntos póstumos, que são facilmente identificáveis ​​como derivadas fotográfias que exibem um achatamento atípico e colocam Bouguereau e seus colegas acadêmicos praticarando um método de pintura que tinha sido desenvolvido e aperfeiçoado ao longo dos séculos, a fim de trazer à vida cenas vívidas imaginadas de história, literatura e fantasia.

Fonte: https://www.artrenewal.org/

Santo Antonio de Lisboa

Santo Antonio de Lisboa

Namibia's Horse

Namibia's Horse 81 x 58 cm

Em um dos lugares mais secos da terra abandonados pelos humanos, há animais que nasceram para sobreviver e outros que sobrevivem apesar das probabilidades. Os Namíbies, libertados há 100 anos.

Namibia’s Horse é um trabalho em homenagem a estes cavalos que sobreviveram no deserto da Namíbia, África.

Em 1908, próximo a Lüderitz no oeste africano, quando os colonizadores encontraram minas de diamante cercaram a área, que denominaram Sperrgebiet ( alemão , que significa "área proibida", também conhecido como Área Diamond 1) favorecendo para o desenvolvimento das cidades que logo se tornariam a base para abrir o país. Devido a Primeira Guerra Mundial, os cavalos foram abandonados por várias fazendas e campos no início do século 20. Sem a presença e o auxílio das pessoas para o alimento tiveram que se adaptar a uma rotina de sobrevivência.

A fonte de água abandonada construída pelos caçadores de fortunas para abastecer as fazendas, foi o que manteve a tropa viva por muitos anos. Na planície desértica com relva escassa os cavalos se distanciavam cada vez mais do poço para encontrar relva, mas sempre eram obrigados a retornar para saciar a sede. Quando já não havia mais alimento nas proximidades, saíam em um longa excursão pelo deserto  a procura de relva.  Andavam juntos seguindo o líder, o cavalo mais forte do grupo, o que também protegia os mais frágeis das ameaças de outros animais, porém, os mais velhos com pouca resistência  caíam de fraqueza e desidratação e se tornavam presas fáceis para as hienas.  Eles nunca podiam se afastar mais de 40 Km da água.

Os cavalos têm sido objeto de vários estudos populacionais, que deram um panorama significativo em sua dinâmica populacional e capacidade de sobreviver em condições desérticas. Apesar de ser considerada uma espécie exótica e rara, hoje eles são autorizados a permanecer devido às suas ligações com a história do país e considerados como uma atração turística.

Namibia's Horse

Entre Montanhas

Entre montanhas o que você vê?

Entre montanhas vejo rios,

 Entre montanhas vejo lagos,

Entre montanhas ouço risos,

Entre montanhas vejo buracos,

Montanhas de um sonho,

Obstáculos de uma vida,

Para onde quer que vá,

Existe um caminho,

Existe em algum lugar,

Alguém entre as montanhas,

Observa e aprende a voar,

Entre montanhas de conhecimento,

Como um pássaro ao se lançar,

Das bordas do seu ninho,

No alto pode alcançar.

A obra "Entre Montanhas" também utiliza a técnica Metaloplastia, criada em alumínio mede 30 x 27cm. E para completar, eis algumas palavras de um grande poeta, Fernando Pessoa:

Do vale à montanha,

Da montanha ao monte,

Cavalo de sombra,

Cavaleiro monge,

Por casas, por prados,

Por quinta e por fonte,

Caminhais aliados.

Do vale à montanha,

Da montanha ao monte,

Cavalo de sombra,

Cavaleiro monge,

Por penhascos pretos,

Atrás e defronte,

Caminhais secretos.

Do vale à montanha,

Da montanha ao monte,

Cavalo de sombra,

Cavaleiro monge,

Por quanto é sem fim,

Sem ninguém que o conte,

Caminhais em mim.

"Fernando Pessoa"